Évanescence

En raison des mesures prises pour lutter face à la crise sanitaire, NatachaDassault Art Gallery (NAG) et Not a Gallery (NAG) ferment leurs portes à partir du vendredi 30 octobre jusqu’au 1er décembre 2020.

L’équipe NAG se désole de ne plus pouvoir vous revoir, néanmoins l’exposition EMPREINTE sera bientôt disponible en ligne afin de vous faire partager ce voyage dans l’abîme de notre humanité que nous propose Hom Nguyen. Nous vous tenons informé très prochainement.

Nous vous remercions plus que jamais pour l’intérêt et le soutien que vous nous portez et sommes impatients de vous retrouvez prochainement. Prenez soin de vous !

L’équipe NAG

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Not a Gallery (NAG) où l’art est mis en scène « comme chez soi », est un lieu chaleureux où les artistes exposent leurs œuvres et où – peintures, sculptures, photographies, céramiques, artisanat d’art et mobilier design et vintage – se répondent. Natacha Dassault, passionnée d’art, s’est révé- lée être une dénicheuse de talents avertie depuis l’ouverture en 2016 de ce lieu atypique dédié à l’art contemporain.

Pour cette rentrée culturelle, NAG reçoit l’artiste Zhao Mengge accompagnée de Eri Maeda, Chris- tian Petitalot et Marik Korus pour une exposition collective autour du thème de l’ Évanescence.

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Zhao Mengge

La peinture de Zhao Mengge est une recherche poétique du lien entre l’humain et la nature. Ses créations artistiques, héritières de la tradition classique acquise à l’Académie centrale des Beaux-Arts de Pekin, comportent une dimension contemporaine dans le traitement des corps modelés par l’abondance de l’encre noire. Après s’être installée à Pékin, elle expose dans plu- sieurs musées nationaux renommés en Chine.

Les femmes des œuvres Zhao Mengge n’ont aucune activité concrète, ces êtres angéliquement évanescents forment une sorte de «relation affirmative» avec la nature.
Ces figures paraissent insaisissables. Des personnages évanescents, difficiles à cerner en raison de l’impression de détachement et de délicatesse qu’ils transmettent.

Son travail a été présenté dans une soixantaine d’expositions à travers le monde ; de Paris à New York, de Stockholm à Tokyo en passant par Taipei.

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Eri Maeda

Née à Tokyo, Eri Maeda a longuement pratiqué l'Ikebana, une technique d’arrangement floral traditionnel japonais, qui peu à peu l’a mené vers le monde des arts verriers. Après une forma- tion au Tokyo Glass Art Institute puis au Centre de Formation aux Arts Verriers, Eri Maeda devient Compagnon Verrier Européen en 2006.

Eri Maeda utilise la création en verre dans l’objectif de reproduire l’aspect évanescent et éphé- mère de la nature. La sculpture en pâte de verre, selon la technique de la cire perdue lui permet d’assembler matière et lumière, transparence et translucidité.
De par ses propriétés intrinsèques le verre incarne la légèreté, la vulnérabilité, le raffinement. Il paraît voué à disparaître d’un instant à l’autre. Selon l’artiste cette technique est la seule qui per- mette de traduire l’existence éphémère, la beauté du monde et la Nature sous toutes ses formes.

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Christian Petitalot

La photographie de Christian Petitalot est un reflet de sa sensibilité à la poésie de la nature. Son travail sur les cadrages, l’agencement des couleurs et des formes se fait dès la prise de vue. En- suite, en postproduction, vient la volonté de déstructurer le réel et de le recomposer à partir de fragments afin de lui donner une dimension fictive, d’exprimer un ressenti.

Son goût assumé pour la peinture et les auteurs romantiques du XIXe siècle le pousse à construire ses images comme des tableaux. Ses tirages traduisent les émotions de l’être humain face à la nature et à sa beauté envoûtante et sensuelle.
La plupart de ses images se fondent dans la confusion de ce qui les entoure, à la fois fugitives et imprécises. Si certaines portent des symboles, d’autres sont une quête d’esthétismes abs- traits. Cherchant simplement à peindre le naturel, il retranscrit une existence éphémère dans des formes évanescentes à l’apparence floue. Parfois à la lisière de l’immatériel, le sujet s’estompe et c’est la lumière devenue matière qui façonne les couleurs de ses paysages.

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Marik Korus

Dans un vaste atelier, calme et baigné de la lumière de Charente-Maritime, les créations se succèdent avec le souci constant d’aller plus loin dans la recherche de la rigueur, dans la prise de risque, dans le défi lancé à la porcelaine. Le sens de cette quête est d’en offrir tou- jours plus à l’observateur. À chaque regard, il découvre un élément nouveau, interprète dif- féremment sa lecture, en vient peut-être à se questionner quant à la réalisation technique. Les formes arrondies, amples, toutes en courbes ont un air de famille mais chacune a son carac- tère. Leurs parures d’éléments les rendent uniques. Un travail de minutie et de patience confère à chaque pièce toute sa richesse.

Les heures passées dans l’atelier à modeler et triturer la terre font naître d’incroyables membranes, tubes, vagues, froissements, presque des souffles, une errance poétique dans la pureté blanche de la porcelaine. Marik Korus fait naître des œuvres évanescentes, empreintes de légèreté et de délicatesse.

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